La música, para que se pueda definir como tal, debe cumplir con tres principios básicos: el ritmo, la melodía y la armonía. La gente de a pie suele creer que esta responsabilidad, dentro de un grupo o banda musical, recae, en su totalidad, en la figura del batería. Sin embargo, la realidad, como bien saben los entendidos, es muy distinta.
El papel del bajista
Muchas personas, todavía hoy, confunden al bajista con el guitarrista, haciendo visible la poca importancia que se le da a este músico. No obstante, su rol es absolutamente imprescindible para que la banda suene de manera correcta. El bajista, al igual que lo hace la batería cuando está presente, es el encargado de llevar el ritmo de la canción, pero, además, éste también es el responsable de la parte armónica de la pieza. Así pues, los mejores bajistas tiene que ser capaces de desempeñar dos funciones esenciales; dotar al grupo de la base armónica y de la base rítmica. De este modo, se hace evidente, que los bajistas son verdaderas estrellas habitando en la sombra. Incluso deben asumir este papel de segundones sin causar problemas.
Los grandes bajistas de la historia
No obstante, no todos los bajistas se caracterizan por su anonimato. Por suerte, el talento de los mejores bajistas, en ciertas ocasiones, se ha visto reconocido tanto por los críticos como por los fans. En esta situación se encuentran, por ejemplo, Cliff Burton, bajista de Metallica, Flea de la banda californiana Red Hot Chili Peppers, Les Claypool de Primus o Geddy Lee de Rush. Otro de los mejores bajistas es Paul McCartney, de The Beatles; seguramente, se hizo más conocido por su papel como vocalista que como bajista, aunque, su capacidad para tocar el bajo es impresionante. Curioso es el caso de Jack Bruce; éste tenía un talento innato para rasgar las cuerdas del bajo, por ello, pese a tener como compañeros de banda en Cream a Eric Clapton, uno de los mejores guitarristas de la historia, y al virtuosos batería Ginger Baker, supo encontrar su lugar y destacar por méritos propios. Jaco Pastorius merece una mención a parte. Su nombre apenas será conocido por muchos, sin embargo, cualquier bajista lo citará como referente, incluso algunos lo califican como el mejor bajista de la historia.
Foto: picpics/automatika
Cuando pensamos en un contrabajo, las primeras dos cosas que se nos vienen a la cabeza son las siguientes: por un lado, el gran tamaño que posee; por el otro, sus sonidos graves tan característicos. Después ya intentamos ubicarlo dentro de una orquesta o como un instrumento más de una banda musical.
Sobre el sonido
El contrabajo es considerado como el segundo mayor instrumento de la familia de los codófonos o de cuerda, es decir, aquellos que producen sonido mediante la vibración de una o más cuerdas. El primero es el octabajo. Una de las particularidades que mejor define a ambos es su capacidad para proyectar sonidos graves, los más graves que el ser humano puede escuchar, aunque, en el caso del octabajo, al tener las cuerdas afinadas dos octavas más bajas y por tener unas dimensiones superiores, su sonoridad es todavía más grave.
Problemas de adaptación
Desde su creación allá en el siglo XVI, los problemas para hallar un espacio musical propio han sido constantes. Sus proporciones físicas limitaban su proyección al panorama musical, al mismo tiempo que dificultaban su interpretación. Muestra de ello es que no se contó con él para el famoso cuarteto de cuerda, formado por dos violines, un viola y un violonchelo. Poco a poco, los compositores lo fueron incluyendo dentro de sus orquestas, sin embargo su implicación era mínima; únicamente se limitaba a imitar al violonchelo en una octava por debajo, aportando así los sonidos graves.
El espacio propio
Tuvo que esperar hasta los siglos XVIII y XIX momento en el que se empezó a considerarlo como un instrumento serio, capaz de desarrollar una personalidad propia. El compositor italiano Domencio Dragonetti fue uno de los que mayor empeño puso para que el contrabajo se independizara del violonchelo. Su emancipación definitiva se produjo cuando que los grandes compositores de renombre de la época, como por ejemplo Wagner o Tchaikovski, se decidieron a darle el protagonismo que merecía. Gracias a la particularidad de sus sonidos graves los compositores lo han utilizado como muestra de truenos, el caminar de los elefantes, momentos de inquietud, de misterio o sorpresa. No obstante, también se ha requerido su presencia para escenificar dulzura y lirismo.
Foto: Isaxar – Fotolia
Pese a que el bajo normalmente no destaca dentro de los grupos musicales, es una parte vital de ellos, e incluso ha habido bajistas que han marcado época
Bajos protagonistas
‘Un bajo no llama la atención’, opinan muchos, que hipnotizados por los riffs de las guitarras o el ritmo de la batería, no tienen oído para apreciar la importantísima labor de este instrumento de cuatro cuerdas, que es quien, en una tarea oscura pero vital, marca el ritmo y la melodía de la canción. Sin embargo, hay ocasiones en el que el bajista deja de lado ese segundo plano para convertirse en protagonista, y en casos contados, para hacer historia con su talento musical.
Los grandes de la historia
Uno de los intérpretes de bajo más aclamados es Jaco Pastorius, un auténtico autodidacta que se movió entre el funk y el jazz fusión. Fue de los primeros en llevar este instrumento al primer plano, y demostró que podía ser capaz de interpretar la melodía principal y espectaculares improvisaciones, además de ser enormemente expresivo y rico melódicamente.
Otro de los bajistas más aclamados de la historia es Victor Wooten. Es considerado el mejor de los 90 y todo un pionero. Desarrolló nuevas técnicas de pulsación que no habían sido descubiertas en aquella época, como el double-thumb junto al slap funky, o el open-hammer-pluck. Wooten es considerado el ‘Michael Jordan del bajo’.
Cambiando de género, otro de los grandes de la historia fue Cliff Burton, que formó parte de Metallica desde sus inicios hasta 1986, cuando el autobús de la gira del grupo tuvo un accidente en Suecia y falleció trágicamente. Pese a su corta carrera, sentó las bases del trash-metal, tocando, sin púa, a una velocidad exorbitante y con un estilo limpio y único.
Se podría a señalar a más bajistas dentro de la élite, pero no podemos olvidarnos de Flea, de los Red Hot Chilli Peppers, seguramente el mejor del mundo actualmente. Tiene un estilo de bajo inigualable, que sobrepasa las barreras del funk y aporta complejidad melódica a las canciones de la banda.
Foto: Stephen Martin
Un bajo electro – acústico es una opción interesante para aquellos amantes del instrumento de cuatro cuerdas que buscan un sonido más natural en su interpretación
Evolución en las cuatro cuerdas
La guitarra bajo acústica, más conocida como bajo acústico, es la versión ‘desenchufada’ de los instrumentos de cuatro cuerdas, que clásicamente han sido eléctricos. Su evolución ha sido un tanto diferente a la de la guitarra; ésta comenzó su historia hace más de 1000 años y encontró su punto álgido con la llegada de la guitarra española hacia el siglo XIX, desarrollándose su versión eléctrica a mediados del siglo XX. En el caso del bajo, que llegó en los años 30 para sustituir progresivamente al contrabajo, ya sus primeras versiones eran eléctricas y posteriormente, en los años 70, hizo su aparición la versión acústica.
Al igual que sus homólogos eléctricos, los bajos acústicos tienen en su mayoría cuatro cuerdas y son de madera, pero se diferencian de ellos por ser de cuerpo hueco. Pese a ello, la gravedad de los tonos que emiten hace que no sean fáciles de escuchar sin amplificar, por lo que en su gran mayoría, estos bajos llevan incorporadas unas pastillas que permiten que se conecten a un amplificador.
Sin novedades
Debido a su bastante reciente nacimiento, no ha habido una gran evolución dentro de este instrumento de cuatro cuerdas. Desarrollado a principios de los 70 por Ernie Ball, fue creado con el objetivo de dar a los bajistas de aquella época una herramienta que se acercase más a la guitarra acústica, ya que en opinión de su creador, si el bajo eléctrico se diseñó para acompañar a la guitarra eléctrica, también era necesario crear un compañero para la versión ‘desenchufada’. Pese a que en sus primeros años no tuvo una gran acogida, el programa de MTV ‘Unplugged’, a finales de los 80 y principios de los 90, en el que grupos de rock daban conciertos acústicos, inspiró a muchos músicos e hizo que la demanda de este tipo de bajos aumentase bastante, lo que se ha mantenido hasta estos días.
Foto: Gabriel Voluntas
La historia del rock está plagada de verdaderas leyendas de la música, entre ellos destacan grandes vocalistas y guitarristas. No obstante, muchas veces el papel de los bajistas ha sido relegado a un segundo plano, porque en efecto, el rock tiene un protagonismo mayor de la guitarra, y el histrionismo de los vocalistas es parte de la estética rockera y de la industria musical. No obstante, conviene destacar a algunos de los bajistas más importantes de la historia del rock. Como la enumeración es larga, sólo se pueden destacar algunos de los más importantes por género.
Clásicos del Rock
El rock clásico no sólo aportó décadas de música de alta calidad; sino que ha sembrado influencia para toda la música posterior. Vale la pena destacar algunos bajistas de este periodo que además han sido grandes arreglistas. Actualmente en “Dunnaway Project”, pero antes en “Alice Cooper”, destaca Dennis Dunaway, con arreglos impresionantes y una versatilidad de ejecución, que hacen de Dunaway un músico capaz de interpretar cualquier estilo de música.
Paul Jones de “Led Zepelin”, un inspirado arreglista y músico excepcional que además del bajo tocaba una gran cantidad de instrumentos, incluida la mandolina. Jones junto a Jimmy Page, son responsables de los arreglos musicales del tema musical más escuchado en la historia de la radio norteamericana, “Stairway to heaven”.
Un nombre que no puede faltar en este caso es el de Geddy Lee bajista de “Rush”, que además aportaba con teclados, arreglos y voz. Verdaderamente, uno de los genios musicales contemporáneos
Metal.
Rock y algo más
En el mundo del rock, pero también incursionando fuera de él, es imposible no mencionar a “Flea”, probablemente el mejor bajista contemporáneo de rock y en buena medida causante del particular sonido de “Red Hot Chili Peppers”.
Foto: Andreas Meyer
El funk es un género musical afroamericano, derivado del Soul y el Jazz, que comenzó a desarrollarse en la década de los sesenta y que se distingue por el dominio del bajo, la incorporación de instrumentos de percusión diferentes a la batería y un ritmo sincopado que originalmente era más suave y con el tiempo ha derivado en expresiones más enérgicas.
El funk, el protagonismo del bajo eléctrico
Probablemente el elemento más notorio auditivamente en la música Funk, o funky, sea el predominio del bajo eléctrico en las composiciones. De hecho se le reconoce fácilmente, pues el bajo sale de su papel auxiliar como apoyo rítmico y acompañamiento armónico, y salta al protagonismo de primera fila, cumpliendo los papeles anteriores; pero a la vez trabajando también en términos melódicos, como primera voz instrumental de la composición.
El “slap”, es una evolución del clásico “pizzicato” que consistía en pulsar una cuerda al mismo tiempo que se la “rasguñaba” generando un efecto de percusión en el sonido. En el funk, este efecto es aumentado por el bajo eléctrico, de modo que literalmente la cuerda se estira del mástil y se la deja golpear contra él. Los intérpretes de bajo realizan esta operación o golpeando fuertemente con el dedo pulgar, o estirando la cuerda con uno o dos dedos, o a veces combinando ambas maniobras.
Soul, funk y fusión
Por lo general se reconoce al funk, como un estilo derivado del Soul, con mezclas de Jazz y otras fusiones. Los primeros músicos de funk pertenecían a bandas que tocaban primeramente Soul. En términos generales se reconoce a James Brown como el padre del funk, gracias a las innovaciones rítmicas que incorporó en sus grabaciones en la década de los años sesenta. No obstante desde ese tiempo, el funky, ha aportado también más allá de sus propios límites y en la actualidad, algunos de los principales descubrimientos del funky, entregan frutos en diversas formas de música de fusión.
Foto: tuulijumala
Los bajos eléctricos siguen el mismo principio musical que los bajos acústicos, y el mismo principio técnico que una guitarra eléctrica. Así, la construcción de los bajos eléctricos, busca producir sonidos de la misma gama que un contrabajo, con una serie de cuerdas tensadas que producen sonidos graves. Por otra parte integran cápsulas para amplificar el sonido y así sustituir la caja acústica.
Principios de construcción musical
En términos musicales, los bajos eléctricos siguen los mismos principios de los contrabajos, vale decir, se trata de un instrumento de cuatro cuerdas, afinadas en las notas Sol, Re, La, Mi. Estas son las mismas características de un contrabajo, y además estas cuatro notas de afinación coinciden con las últimas cuatro notas de la guitarra, aunque el bajo es afinado una octava más grave, de modo que puede alcanzar su sonido característico. Algunos bajos incluyen una o dos cuerdas adicionales, aunque se trata de modificaciones más recientes, y que se utilizan sobretodo en música progresiva, tanto en rock, jazz y ritmos latinos, preferentemente. Al añadir una cuerda se tienen mayores posibilidades de ejecución y se logran sonidos más graves y agudos.
La relación musical entre las cuerdas de los bajos corresponde a cinco medios tonos entre cuerdas, comenzando por la más grave. Así, la cuerda más grave está afinada en la nota Mi, si se cuentan cinco medios tonos a partir de Mi, se encuentran Fa, Fa#, Sol y Sol#; por lo tanto la siguiente cuerda se afina en La, y así sucesivamente.
Funcionamiento técnico
Los bajos eléctricos a pesar de su identidad musical con el contrabajo, modifican substancialmente su capacidad de amplificación. Lo que en los contrabajos se lograba mediante una caja acústica de gran volumen y capaz de amplificar los sonidos graves, que suelen ser menos notorios, en los bajos eléctricos se logra mediante cápsulas de amplificación, al igual que en la guitarra eléctrica. En términos simples, se trata de pequeños micrófonos de alta fidelidad que captan el sonido al pulsar las cuerdas y lo transmiten electrónicamente. De este modo, un bajo eléctrico suena aunque no esté amplificado; pero su sonido es muy débil.
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